Rückblick: Ausstellungen bei Maune und Johnson Lowe thematisieren Klasse, Macht, Status und Rasse

Material Influence, bis zum 22. September bei Maune Contemporary, und Navin Norlings Dirty Legacy, bis zum 9. September in der Johnson Lowe Gallery, vermitteln Botschaften über Klasse und Status, die weit über das hinausgehen, was sie angeblich vermitteln. Eine Begleitshow bei Johnson Lowe, Ilídio Candja Candjas O Silêncio Negro em Forma de Chocolate (Schwarze Stille in Form von Schokolade), basiert auf dem Wissen über eine ostafrikanische Kolonialgeschichte, von der nur wenige Amerikaner auch nur ein wenig Verständnis haben.

Dabei handelt es sich um Kunstausstellungen und nicht um analytische Bestandsaufnahmen. Die Zuschauer werden aus ihnen herausholen, was sie ihnen bringen. Wahrscheinlich wird keiner von uns alle Hinweise verstehen.

In Maunes Material Influence provozieren die Kuratorinnen Kate Chesnutt und Grace Chambless, die Geschäftsführerin der Galerie, ein Gespräch über „die Kommerzialisierung von Erfolg, Macht, Einfluss und Erlösung“ und stellen die Frage: „Alles steht zum Verkauf, aber zu welchem ​​Preis?“

Bei Nick Veaseys „Lifestyle Out of Stock“ und „Art Imitating Life“ handelt es sich um Röntgenaufnahmen einer Hand mit ausgestrecktem Mittelfinger, über die halbtransparent Versionen der Werktitel gelegt sind. Sie deuten gleichzeitig auf das trendige Beharren auf „Transparenz“ hin, eine Erinnerung an die Sterblichkeit und eine Haltung gegenüber der Welt, einschließlich der Galerie und dem wahrscheinlichen Käufer.

Plastic Jesus' In Case of Emergency Break Glass – Dom 2008, eine im Jahr 2020 entstandene Verwandlung eines Feuerlöschers in eine Flasche Dom Perignon, legt nahe, dass Champagner ein Statussymbol für den Notfall, ein hochwertiges Beruhigungsmittel und eine fragile Verteidigung gegen die wörtlichen und metaphorischen Brände ist, die verzehren der Planet.

Jacob Deimler hat viele Ziele im Visier, Waffengewalt ist nur eines davon. Es handelt sich jedoch um das Objekt mit den vielfältigsten Objekten der Ausstellung – zwei 24-karätig vergoldete Nachbildungen der Glock 19. Deimlers Witz durchdringt eine Vielzahl von Machtobjekten und Machtmaklern (darunter Elon Musk und Mark Zuckerberg mit Heiligenschein), in Drucken und NFTs, die zu vielfältig sind, um alle damit verbundenen Einzeiler-Witze zusammenzufassen.

Im Gegensatz zu Deimlers Witzen über ein einziges Thema verkörpern Dayani Muñoz und Justyna Kisielewicz den Maximalismus, indem sie so viele Kritiken wie möglich in einzelne Werke packen. Beide Künstler lassen sich auf entsprechend grelle Kombinationen der Symbole des Pop-Status ein und verwenden jeweils einen eigenen Stil der Ironie.

Kisielewicz‘ „Animal“ und „Das Kapital“ sind Mashups von mehr Statussymbolen, als ich aufzählen kann (und trotz des Titels des letzteren ist er, wenn er überhaupt marxistisch ist, von der Sorte Groucho, um die Graffiti-Wände von Paris 1968 zu zitieren).

Auch Muñoz drängt sich in „A Day in Heaven II“ mit einer schwebenden klassischen Skulpturengottheit mit rosa Sonnenbrille zusammen, begleitet von einem Cherub, der mit der Telefonkamera ein Foto einer am Bein tätowierten Barbie mit Make-up von Tammy Faye Bakker macht, die von einem grünen Außerirdischen flankiert wird Bulldoggenskulpturen und eine Dinosaurierfigur.

In der digitalen Collage „It's Just Another Dinner“ passt Muñoz‘ Ersatz des Kopfes Jesu beim Letzten Abendmahl durch ein Dollarzeichen auf einer Goldmünze gut zu John Fields‘ vielschichtigem Angriff auf das konsumorientierte Christentum und die MAGA-Evangelikalen. Von Sammlungstafeln mit heißgeprägten Porträts von Predigern des Wohlstandsevangeliums bis hin zu vergrößerten Urlaubsbildern von Bibelschulen, die den Betrachter dazu einladen, die Leinwände mit Buntstiften auszumalen, analysiert das Werk eine religiöse Praxis, die die Ermahnung aus Römer 12,2 vergessen hat: „Sei nicht konform Dinge dieser Welt.“

In all dieser extravaganten Gesellschaft scheinen die Trompe-l'oeil-Keramik-Turnschuhe des Los-Angeles-Künstlers Brock DeBoer, die mit Luxusdesigns bedruckt sind, noch mehr mit geschmackvoller, komplexer Ironie beladen zu sein als nur die Kombination von Designentscheidungen – sie sind Statusmarkierungen aus zwei unterschiedlichen sozialen Welten eins.

Und der selbstbewusste Exzess, der den größten Teil dieser Ausstellung ausmacht, lässt zwei bescheidene Werke des legendären Kenny Scharf fast in den Hintergrund verschwinden.

Maximalismus herrscht auch in der Johnson Lowe Gallery in der überwältigenden Menge an Bildern sowohl in „Dirty Legacy“ von Navin Norling als auch in „O Silêncio Negro em Forma de Chocolate“ (Schwarze Stille in Form von Schokolade) von Ilídio Candja Candja. (Die Galerie bietet am 1. September von 14:00 bis 16:00 Uhr einen Künstlerrundgang mit Norling an.)

Norling, Professor am SCAD Atlanta, arrangiert wandfüllende gerahmte Fundstücke aus New York und dem ländlichen Amerika vergangener Zeiten, kombiniert mit Gemälden auf Fensterglas, die sich indirekt mit Fragen der Rasse, Macht und des Status in Amerika befassen. Die Interpretation der visuellen Beweise steht zur Diskussion, wie die vielschichtige Resonanz des Ausstellungstitels „Dirty Legacy“ in der Region „Dirty South“ zeigt.

Norling beschäftigt sich am häufigsten mit starken Symbolen aus dem urbanen afroamerikanischen Leben, insbesondere mit der bekannten Ikone eines muskulösen, knurrenden schwarzen Panthers. Unerwartete Gegenüberstellungen gibt es zuhauf, wobei eine der bewegendsten das Erscheinen eines veralteten Schildes mit den Gottesdiensten im „The Way of Truth House of Prayer for All People No.

Candja Candja hat in Kunstszenen von Johannesburg bis Lissabon für zustimmende Kommentare gesorgt. Er beschäftigt sich mit subtilen Anspielungen auf das koloniale Erbe Mosambiks, wo portugiesische Handelsinteressen einheimische Arbeitskräfte bei der Produktion und dem Export landwirtschaftlicher Erzeugnisse von Zucker bis Cashewnüssen ausbeuteten.

Als afrikanisches Exportprodukt ist die Schokolade im Ausstellungstitel ein weiteres multivalentes Symbol, das mehr Bedeutungen vermittelt, als man bequem verarbeiten kann – „bequem“ ist das Schlüsselwort.

Candja Candjas Gemälde verweisen auf eine Vergangenheit, die viele gerne vergessen würden, und auf eine Zukunft, mit der sich viele nicht beschäftigen wollen.

Was die beiden Künstler bei Johnson Lowe gemeinsam haben und mit einer wachsenden Zahl von Künstlern in der zeitgenössischen Welt teilen, ist, dass jeder von ihnen unterschiedliche kulturelle Bezüge als selbstverständlich ansieht. Diese Verweise bedürfen einer gewissen Erklärung, da unterschiedliche Zielgruppen über unterschiedliche Wissensbestände verfügen, die sich nicht immer mit denen des Künstlers überschneiden. Johnson Lowe hat Broschüren bereitgestellt, die genügend Erklärungen bieten, um die meisten Rätsel zu klären.

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Rezensionen und Essays von Dr. Jerry Cullum wurden in der Zeitschrift Art Papers, Raw Vision, Art in America, ARTnews, International Review of African American Art und vielen anderen populären und wissenschaftlichen Fachzeitschriften veröffentlicht. Im Jahr 2020 wurde ihm der Rabkin-Preis für seinen herausragenden Beitrag zum Kunstjournalismus verliehen.

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